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ARCO Madrid

Artistas. Presentaciones individuales o en diálogo en ARCOmadrid

SOLO/DÚO

R | Pep Durán y Soledad Sevilla
R Galeria presenta en ARCOmadrid una propuesta centrada en la confrontación de la nueva producción de Soledad Sevilla, pionera en el trabajo de la abstracción geométrica y matemática y creadora fundamental de la instalación capaz de entrelazar el rigor analítico con la poética de lo orgánico. A ello se suman las obras más recientes de Pep Durán, quien ha trabajado desde sus inicios en el ámbito escenográfico, desarrollando a lo largo de los años proyectos y propuestas centradas en una particular manera de entender la construcción y la representación, y enfocadas siempre a resolver las problemáticas de la puesta en escena.

06 feb 2014

ANITA SCHWARTZ | Carla Guagliardi y Octavio Schipper
Ambos representan a la galería Anita Schwartz en ARCOmadrid 2014. Su proyecto presenta un diálogo entre artistas de dos generaciones que comparten intereses comunes en sus investigaciones, que se aproximan en su metodología científica, aunque subjetivamente transportados hacia sus densos universos poéticos.
En la obra de Carla Guagliardi, la forma es una delicada ecuación que frecuentemente combina la búsqueda de equilibrio y la vulnerabilidad de ciertos materiales.
Otavio Schipper elabora su discurso a partir de la construcción de objetos y estructuras, discutiendo la percepción del espacio y del tiempo, así como la naturaleza de estas relaciones.

ARCADE TATJANA PIETERS | Anna Barham y Philippe Van Snick
Las galerías Arcade y Tatjana Pieters comparten espacio en ARCOmadrid 2014. Arcade presenta el trabajo de Anna Barham, un proyecto de video titulado Double Screen (not tonight jellylike). Se trata de una secuencia de imágenes y de video editadas repetidamente y acompañadas de una voz en off. Por su parte, Tatjana Pieters muestra los últimos trabajos de Philippe Van Snick, como es el caso de Eviter le Pire (Blue) una serie de 10 obras únicas y disponibles en diferentes colores, según la paleta de color del propio artista.



BOB VAN ORSOW | Julian Opie y Klaas Kloosterboer
La Galería Bob Van Orsow expone en ARCOmadrid las obras de Klaas Kloosterboer (Países Bajos, 1959) y Julian Opie (Londres, 1958). Este último centra su obra en la investigación de la idea de representación y los medios por los cuales las imágenes ser perciben y entienden. Reinterpreta el vocabulario del día a día, abriendo una discusión entre el lenguaje visual de la sociedad moderna y la Historia del arte.

CHANTAL CROUSEL | José María Sicilia
Consultar en http://www.crousel.com/

CRONE | Hanne Darboven Rosmarie Trockel
Consultar en http://www.cronegalerie.com/

DEL INFINITO ARTE | Julio Le Parc
Consultar en http://www.delinfinito.com/

DEWER GALLERY | Jack De Cock
Jan de Cock (Bruselas, 1976) ha dedicado su carrera al modernismo. Sus exposiciones han visitado museos como la Tate Gallery de Londres, MoMA de Nueva York o el Kunsthalle Baden-Baden de Alemania. Junto con Deweer Gallery proponen una colección de esculturas pertenecientes a la exposición belga ‘Everything for you, Otegem’. Todas las figuras reciben el nombre de Nature Morte y se componen de distintos objetos arquitectónicos referidos a las pinturas y esculturas modernistas y las crecientes tensiones entre la economía y el arte.

ESTRANY-DE LA MOTA | Ignasi Aballí y Martí Ansón
Consultar en http://www.estranydelamota.com/

GRAÇA BRANDAO | João Maria Gusmão Pedro Paiva y Nuno Sousa Vieira
Los artistas portugueses João Maria Gusmão (Lisboa, 1979) y Pedro Paiva (Lisboa
1978) colaboran desde el año 2001 creando objetos, instalaciones y cortos de 16mm y 35mm. El dúo describe su proyecto general como una especie de “metafísica recreativa”, un género que han reinventado ellos mismos en cierta manera siguiendo al poeta portugués Alberto Caeiro (Fernando Pessoa) en su experimento estético sobre el materialismo.
Nuno Sousa Vieria (Leiria, 1971) vive y trabaja entre Leiria y Lisboa. Algunas de sus exposiciones individuales más importantes son: “Somos nós que mudamos quando tomamos efetivamente conhecimento do outro”, en Pavilhão Branco (Museu da Cidade) en Lisboa, “Don’t underestimate the impact of the workplace”, en Newlyn Art Gallery y The Exchange, Reino Unido, y “Haben Gegenstände ein Gedächtnis?”, en Hans Mayer Gallery, Alemania.

HENRIQUE FARÍA FINE ART | Emilia Azcárate y Waldo Balart
Emilia Azcárate (Caracas, 1964) estudió Artes Plásticas en la Central Saint Martins School of Art en Londres. Obtuvo el primer Premio Nacional de Artes Visuales Arturo Michelena en 1999 y en el 2006 la beca del Programa de Subvenciones de la Fundación Cisneros Fontanals (CIFO). Ha participado en exposiciones colectivas y bienales en Cuba, España, EEUU o Ecuador, entre otros.
Waldo Balart, nacido en Banes, Cuba, se caracteriza por un estilo interesado en la geometría, el color, el orden, el espacio y el tiempo. Ha sido considerado un constructivista, pero también ha explorado el formalismo de la matemática y realizado estudios cromáticos. Su contribución al movimiento del concrete art o concretism ha sido muy importante.

HONOR FRASER | Tillman Kaiser
Consultar en http://www.honorfraser.com/

ISABEL ANINAT | Mónica Bengoa
El trabajo de la artista chilena Mónica Bengoa se enmarca dentro del proceso fotográfico y la manualidad. Su producción artística ha tenido a la fotografía como eje central. Su investigación en torno a la fotografía se ha basado en un sistema de restricciones técnicas y materiales, incluso creando un sistema de restricciones para el uso del color, en donde el ejercicio óptico se transforma en el eje que articula. Es una relación inversa para el uso de instrumentos ópticos, ya que en este caso la intención no se basa en su capacidad de asistencia en la creación de imágenes lo más cercanas posibles a la realidad, sino en el hecho de revelar los sistemas de construcción de su trabajo.

MAIOR | Luis Gordillo y Susana Solano
Consultar en http://www.galeriamaior.com/

NADJA VILENNE | Suchan Kinoshita y Walter Swennen
Consultar en http://www.nadjavilenne.com/

NUSSER & BAUMGART | Thomas Weinberger y Michael Wesely
Consultar en http://www.nusserbaumgart.com/

P74 GALLERY | Tadej Pogačar y Dalibor Martinis
Tadej Pogačar, artista visual, comisario y educador, nació en 1960 en Liubliana, Eslovenia. Estudió Historia del Arte y Etnología en la Facultad de Artes, Universidad de Liubliana.
Dalibor Martinis, nació y vive en Zagreb, Croacia. Lleva en activo desde 1969 y es un artista conceptual con gran renombre a escala internacional.

PONCE ROBLES | José Hidalgo y Anastacio y Maíllo
Dentro del nuevo programa SOLO/DÚO de ARCOmadrid 2014, presentan los últimos trabajos de Maíllo (Madrid, 1985) y de José Hidalgo-Anastacio (Guayaquil, Ecuador, 1986). Se trata de dos artistas de la misma generación pero de dos contextos muy diferentes. Los dos parten de lo pictórico y lo instalativo pero tienen procesos de creación y llegan a resultados muy diferentes: del análisis casi matemático y concienzudo de José Hidalgo-Anastacio al gesto impulsivo de Maíllo.

SENDA | James Clar y Ola Kolehmainen
Consultar en http://www.galeriasenda.com/

STEFAN RÖPKE | Robert Mapplethorpe y Max Neumann
Consultar en http://www.galerie-roepke.de/

VILTIN | Zsolt Asztalos
Consultar en http://www.viltin.hu/

WEST | Reynold Reynolds
Consultar en http://www.west-denhaag.nl/

XAVIER FIOL | Winston Roeth y Santiago Villanueva
Winston Roeth, (Chicago 1945), empezó a trabajar con Xavier Fiol gracias a la introducción de su obra por parte del coleccionista Giuseppe Panza di Biumo en su estudio de Beacon. Su trabajo destaca por obras con un enorme poder comunicativo del color, por una búsqueda de lo transcendente y lo espiritual en el arte. Ha sido considerado "the best color painter in New York" (el mejor pintor de color de Nueva York) por el crítico de arte Michael Brennan.
Santiago Villanueva, (Madrid 1964) define y construye su obra desde la dualidad que aporta el lenguaje de los sentidos y el lenguaje de la materia. Su obra no pretende provocar un simple placer visual o experiencia táctil. Su razón es estimular el deseo, seducirnos hasta penetrar sensorialmente en el objeto y percibir la emoción que propone desde un lugar más subjetivo.

ZAK BRANICKA | Stanisław Dróżdż and Marlena Kudlicka
Marlena Kudlicka se interesa por el término y la función que acarrea el protocolo en sí mismo, así como por sus referencias como código de conducta apropiada. En su obra presentada en ARCOmadrid, la artista se pregunta desde dónde se originan los errores. Se interesa además por los mecanismos tecnológicos (máquinas) y por los mecanismos mentales que se esconden tras el lenguaje de errores. Se trata de un proyecto creado para ARCOmadrid y que comparte espacio con la obra de Dróżdż, unidos por el análisis del lenguaje, por encima de todo.

#SoloProjects

80M2 LIVIA BENAVIDES | Nancy La Rosa
Nancy La Rosa vive y trabaja en Lima, Perú. Se graduó en Bachiller de Bellas Artes en la Universidad Católica de Perú y ha realizado algunas exposiciones individuales como SaberDesconocer o ¿Y qué si la democracia ocurre? Recibió el segundo premio de la XI Edición de Pasaporte para un Artista organizado por la Embajada Francesa en Perú.
Trampa Ante Ojo es su proyecto para #SoloProjects, en el que explora las nociones de naturaleza, paisaje y su representación con una mirada que hace referencia a la cartografía y geografía. En su trabajo hace uso del dibujo, el grabado, la fotografía y el video para generar distintos efectos visuales.

ALBERTA PANE | Luciana Lamothe
La artista argentina Luciana Lamothe trata las relaciones entre cuerpo, arquitectura y materiales en los espacios urbanos, domésticos o institucionales. En #SoloProjects destruye las ceremonias sociales prestando atención a lo más pequeño de nuestros instintos de conservación. Una cámara manual graba el desmontaje de muebles. Su trabajo sitúa al público en el corazón de una caótica composición de videos, sonidos, instalaciones y fotografías.

AURAL | Anna Bella Geiger
La artista brasileña Anna Bella Geiger se distingue por su investigación sobre el concepto del territorio nacional, desmitificando la “brasilidad”, mapas entendidos como cartografías geopolíticas. Bajo la influencia de la antropología aborda la transformación de la multiculturalidad, pero no sin cuestionar las nociones de periferia, fronteras y ciudadanía. En #SoloProjects presenta algunas de sus obras más emblemáticas de los años 70 y 80, algunas de ellas con presencia en el MoMA de Nueva York, el Centro Georges Pompidou de París o el Museo Reina Sofía de Madrid.

BARRO ARTE CONTEMPORÁNEO | Diego Bianchi
El artista argentino Diego Bianchi estudió Diseño Gráfico en la Universidad de Buenos Aires y en la Escuela Skowhegam de Pintura y Escultura de Maine, EE.UU. En el proyecto presentado para #SoloProjects de ARCOmadrid, Bianchi sitúa a un performer en el centro de la instalación, que mantiene suspendidas las obras del espacio a través de hilos atados a su cuerpo, un pelo, su nariz, su ceja o su pene. El performer se mantiene inmóvil ejerciendo un poder de encantamiento con cada respiración durante cuatro horas cada día. Un artículo aún no determinado, suplirá su ausencia en equilibrio con el peso de los objetos colgantes.

DCONCEPT ESCRITORIO DE ARTE | Marlene Stamm
Marlene Stamm nació en Vacaria, Rio Grande del Sur, Brasil y estudió en la Escuela Superior de Música y Bellas Artes de Paraná. Actualmente vive y trabaja en São Paulo. La instalación de Stamm para #SoloProjects constará de 530 papeles pintados en acuarela. Cada uno de ellos representa la imagen de una cerilla quemada. En cada imagen el tiempo está medido con la duración de la llama, y marca el tiempo que la artista empleó en pintar el papel. La suma de todos los papeles da como resultado las seis horas que se mostrarán de forma secuencial, desde la primera llama hasta la última.

DOCUMENT ART | Luz María Bedoya
Luz María Bedoya se graduó de Bachiller con mención en Lingüística y Literatura en la Universidad Católica, Lima y estudió Fotografía en el C.E.I.F. en Lima y en el School of the Museum of Fine Arts, Boston. Miembro del colectivo Espacio la Culpable, Lima, 2002-2008. Desde 1993 ha sido profesora de Fotografía en el Instituto Gaudí y en el Centro de la Imagen, en Lima. Área, su proyecto para #SoloProjects es una serie de 21 fotografías, que recogen la mirada sobre una fachada de edificio en una zona urbana de Lima: un registro plano de un elemento plano.

EMMA THOMAS | Lucas Simoes
Lucas Simoes estudió Arquitectura y Urbanismo. Su trabajo se centra en el tratamiento de los materiales a través de técnicas que podrían destruir el sujeto, como quemar, cortar, distorsionar o diluir. En #SoloProjects la propuesta de Simoes se basa en construcciones urbanas con una composición de láminas de papel, placas y polvo de cemento que representan distintos objetos cotidianos y espacios interiores de la vivienda de masas.

ESPACE MEYER ZAFRA | Manuel Mérida
El venezolano Manuel Mérida, nacido en 1939 estudió en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, Venezuela, de 1950 a 1958, tiene experiencia en el sector publicista de grandes firmas como Dior, Chanel o Cartier. Usuki/Chantier, su instalación monitorizada para #SoloProjects, enfrenta el constructivismo, arte cinético, informalismo y la abstracción geométrica. Mérida juega con los materiales coloridos para crear piezas cuadradas o circulares con placa de cristal protectora que giran sobre un eje central generando un efecto hipnotizador en el público.

FILOMENA SOARES | Carlos Motta
Carlos Motta es un artista multidisciplinar que pretende incluir las historias de comunidades e identidades ocultas combinando la Historia política para crear nuevas líneas narrativas. Su obra se ha presentado en los museos más importantes del mundo como la Tate Modern de Londres o MoMA de Nueva York. En #SoloProjects Carlos Mota presenta su último video Nefandus, una narración audiovisual que explora la homosexualidad prehispánica, desde el punto de vista de las dominaciones sexuales, por medio de violaciones a los indígenas, que cometieron los conquistadores. El video sugiere cómo el concepto de la sexualidad y el cuerpo no puede ser proyectado en culturas cuyas tradiciones están mediadas por los preceptos de la cultura europea.

HENRIQUE FARÍA FINE ART | Mirtha Dermisache
Mirtha Dermisache (1940-2012) desarrolló su trabajo en los años 70. Sus grafismos son escrituras ilegibles de tinta sobre diversos formatos, cuestionan las posibilidades de comunicación e información moderna y la imparcialidad de los sistemas de escritura con la carencia total de significado. La obra de Dermisache ejemplifica cómo las líneas presentadas en papeles y cuadernos no son sólo inocentes ejercicios plásticos, también esconden investigaciones conceptuales semióticas y sociológicas.

MARCELO GUARNIERI | Rogério Degaki
La prometedora carrera del artista brasileño Rogerio Degaki se ha visto interrumpida y solo queda el recuerdo y unas pocas obras de arte existentes. En #SoloProjects presenta proyecto “While there is tomorrow / Believe in happiness”, un tributo a su carrera formado por una selección de pinturas y esculturas del artista, realizadas entre 2005 y 2013, que remite a una infancia propia de la memoria colectiva en relación directa con el mundo de los sueños o el anime. Algunos de los elementos que constituyen su obre son lo colorido, lo inocente, la televisión, las golosina y forman un pilar fundamental para contactar con el consumo, la cultura pop, sexualidad muerte o melancolía en su trabajo.

MIRTA DEMARE | Diego Bruno
Diego Bruno, nacido en Argentina en 1978 donde estudió Historia del Arte en la Universidad de Buenos Aires, vive y trabaja en Helsinki. Posee un Bachillerato en Bellas Artes en la Escuela Massana de Barcelona y un Master en Bellas Artes de la Finnish Academy de Bellas Artes. En #SoloProjects Diego Bruno presenta Location, una videoinstalación de doble canal procedente de las ruinas del Centro Clandestino de Detención de la última dictadura argentina. Pretende desmantelar la convencional retórica visual y buscar un nuevo lenguaje estético que no vincule la Historia con la asimilación ideológica o el conformismo a los medios de comunicación de masas. El trabajo de Diego Bruno pone a prueba nuestra percepción del pasado y presente junto con la relación entre la información textual y visual.

MITE | Dudú Alcón Quintanilla
Consultar en http://www.mitegaleria.com.ar/

NORA FISCH | Fernanda Laguna
Fernanda Laguna (1972, Buenos Aires) es una artista argentina dedicada tanto a la obra visual distintiva y personal, como a la poesía y novelas de culto. Su experiencia en gestión de espacios forma parte de su práctica artística. Laguna exhibe una serie de pinturas en diálogo con poemas y subtextos que acompañan a sus dibujos. Las formas negras cuasi abstractas –que a veces asemejan personajes humanos– son una de las características de la pintura reciente de Laguna, como son los tajos y recortes que aparecen en la tela. Laguna explora un contraste entre el mundo onírico de sus pinturas y el abordaje del realismo exuberante de su escritura.

PILAR | Fabio Flaks
Consultar en http://www.galeriapilar.com/

PROYECTO PARALELO | Santiago Borja
El proyecto arquitectónico de Santiago Borja es una sobreexposición cultural de oficios artesanos con las estructuras del pensamiento occidental que pretenden hacer una nueva lectura de los espacios históricos.
Santiago Borja estudió Arquitectura en la Universidad Iberoamericana de Méjico D.F. y es experto en Teoría y Práctica del Arte Contemporáneo y nuevos medios en la Universidad de Paris.

REVOLVER GALERIA | Elena Damiani
Elena Damiani estudió Arquitectura en la Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas de Lima, un Bachillerato en Bellas Artes de la Escuela Superior de Bellas Artes Corriente Alterna de Lima, además de un Master en Bellas Artes por la Goldsmith College de la Universidad de Londres.
Para #SoloProjects, Damiani Damiani propone cubrir parte del espacio y así cercar un conjunto de esculturas de mármol. Una superficie semi-translúcida permite la vista parcial de estas figuras de piedra que dibujan un paisaje cambiante y efímero. La instalación invita a ensayar una reflexión acerca del paso del tiempo y los procesos de desintegración y desvanecimiento de las construcciones, tanto físicas como mentales.

STEVE TURNER CONTEMPORARY | Pablo Rasgado
Consultar en http://www.steveturnercontemporary.com/

WU GALLERY – Andrea Cánepa
Andrea Cánepa propone la deconstrucción y posterior re-sistematización de elementos decorativos, típicos del buen gusto burgués, en #SoloProjects.
Un ramo de flores y una serie de bordados con punto de cruz son modificados hasta privarlos de su función decorativa. Siguiendo la tradición del diseño modernista de vanguardia, se les depura de lo accesorio para renovarlos como entidades purificadas.

Y GALLERY NEW YORK | Miguel Aguirre
Consultar en http://www.ygallerynewyork.com/

ZAVALETA LAB | Mónica Millán
Consultar en http://www.zavaletalab.com/


#Opening

JAQUELINE MARTINS | Rafael França
Rafael França posee un Bachillerato por la Escuela de Comunicación y Artes de la Universidad de Sao Paulo y un Master en Bellas Artes por la Escuela Instituto de Arte de Chicago. Ambas ciudades son su lugar de residencia y de trabajo, en ellas desarrolla sus videos, instalaciones y proyectos de comisariado.

LAVERONICA ARTE CONTEMPORÁNEO | Adelita Husni-Bey
Consultar en http://www.gallerialaveronica.it/

JEROME POGGI | Juliana Borinski
Consultar en http://www.galeriepoggi.com/

#FocusFinland
AMA
Elina Brotherus (nacida en 1972, vive y trabaja en Helsinki)
Elina Brotherus es fotógrafa y videoartista. Se licenció en la Escuela de Arte y Diseño (hoy en día Universidad de Aalto). Sus primeras obras tratan de experiencias personales pero comunes y de la presencia o ausencia del amor. Además, ha estado investigando en sus obras la relación entre la fotografía en la pintura paisajística, por un lado, y la iconografía de la pintura clásica, por el otro. Ha evolucionado de una forma de trabajar similar a escribir un diario hacia preguntas filosóficas más generales. Sin embargo, la modelo de las obras ha sido durante mucho tiempo la propia artista.

Una de sus obras más relevantes es la serie Suites françaises, en la que la artista, utilizando notas adhesivas, aprende sobre la lengua y vida francesas en una cultura extranjera. Más recientemente ha regresado a los mismos paisajes en su serie 12 ans après (12 años después). En 2011, Brotherus fue invitada de nuevo a Chalon-sur-Saône, aunque en esta ocasión para enseñar en un taller de una escuela local de secundaria. Permaneció en la misma casa de huéspedes del monasterio que en su anterior estancia y fotografió muchos de los mismos lugares que había explorado visualmente doce años antes. Un diálogo conmovedor entre los autorretratos de una joven y los de una artista de mediana edad que hace visible el paso del tiempo.

ANHAVA
Antti Laitinen (nacido en 1975, vive y trabaja en Somero)
Antti Laitinen realiza fotografías, vídeos y performances, construye islas y objetos conceptuales, excava y se documenta y rema junto a icebergs. No desconoce casi ninguna técnica. Pero las obras de Laitinen no son despreocupadas ni hippies, ya que están planificadas al detalle, son consideradas y realizadas cuidadosamente, y sólidas formalmente.

Las obras de ARCOmadrid son parte de Forest Square, una obra preparada para la Bienal de Venecia del pasado verano. Forest Square (2012-2013) cristaliza la manera de trabajar de Laitinen, en la que los aspectos esenciales son una actitud intransigente, la comprobación de los límites físicos y psicológicos, lo absurdo de las situaciones e incluso el humor. Sus obras a menudo se basan en la representación, en la presencia del artista, que se documenta mediante fotografías o vídeos. En Forest Square, Laitinen despejó un área de bosques de 100 metros cuadrados (10x10 m), montó todo el material que había quitado y lo clasificó sistemáticamente. La obra consta de tres fotografías, un vídeo documental y el material de la naturaleza recogido de la zona despejada.

FORSBLOM
Leena Nio (nacida en 1982, vive y trabaja en Helsinki)
Leena Nio busca inspiración con la imaginación y las imágenes que nacen inconscientemente. Temas clásicos como el retrato, el paisaje y la naturaleza muerta, así como ciertos colores y formas, se repiten en sus obras. En las pinturas, a menudo hay dos imágenes superpuestas o internas que Nio utiliza para romper el clasicismo de la materia. Su técnica precisa, junto con su sistematicidad y espontaneidad, se combinan para crear la superficie y la profundidad de la pintura. En sus pinturas al óleo, se abordan sentimientos de marginación e identificación a través de temas cotidianos y la experiencia.

El movimiento del espectador se convierte en parte de la obra, como la estructura de las pinturas y el cambio de materialidad cuando el espectador se mueve. Una vista más cercana hace hincapié en el aspecto físico de la pintura: una gruesa capa de pintura y los surcos dejados por el pincel logran una impresión abstracta y ornamental. Cuando se contempla desde lejos, las imágenes superpuestas se vuelven más específicas. La distancia da la oportunidad de ver dentro de la imagen, mientras que la proximidad física reduce la capacidad de percibir la imagen. Las obras y el mundo que crean son un nuevo tipo de entidad visual y espacial.

FORUM BOX
Mia Hamari (nacida en 1976, vive y trabaja en Simo)
Las esculturas de Hamari son parte de la reaparición de la tradición de la escultura de madera finlandesa que durante cientos de años ha sido tradicional en este país de bosques. A finales de la década de 1990 aparecieron varios escultores, tanto mujeres como hombres, que han desarrollado las tradiciones de la talla en madera. Hamari es una narradora que crea un mundo de fantasía con sus obras.

Hamari talla madera de forma cuidadosa y añade a sus obras materiales como el bronce, el hueso, la piel y la corteza, así como colores. Los motivos a menudo consisten en mostrar su infancia y al mismo tiempo la atmósfera melancólica del mundo del circo. Los títulos Somnambulist, Fairytale y Traveller dirigen la interpretación de las obras del espectador. Las esculturas crean un ambiente mágico y maravilloso. Las figuras cobran vida ante los ojos del público y en su imaginación.

HEINO
IC-98 (Patrik Söderlund nacido en 1974 y Visa Suonpää nacido 1968, viven y trabajan en Turku)
El grupo artístico IC-98, anteriormente conocido como Iconoclast, fue fundado en Turku en 1998. El grupo está interesado en los acontecimientos que nunca tuvieron lugar, las fantásticas relaciones entre las cosas, los sistemas de aprendizaje ortodoxos y la herejía, la presencia de la historia en el presente, los diseños y los mecanismos de control del organismo social y de la arquitectura y las técnicas para librarse de ellos. La elección de las herramientas siempre depende del contexto de la materia, su historia y la situación actual, así como de los objetivos de la actividad actual.

IC-98 realiza mucha investigación empírica y documental. La investigación tradicional se combina con puntos de vista personales e intuitivos. Las obras finales (dibujos, películas de animación, libros o instalaciones) son combinaciones multifacéticas creadas a partir de diferentes fuentes de conocimiento. Son tipos de puesta en escena, un teatro, donde se muestra el mundo según IC-98. Todos los proyectos de IC-98 pueden caracterizarse como estructuras narrativas, esbozos o guiones que funcionan como un resumen de los flujos lingüísticos y afectivos.

En las animaciones Abendland II & III (The Place That Was Promised & The Edge That Was Set), el mundo de la oscuridad es el universo de las historias de IC-98. Para ellos, el ocaso no es tanto la disminución del poder económico y político del mundo occidental ni los debates en torno a este, sino más bien el fin del ser humano y la esperanza de que la naturaleza, después de todo, sobreviva. En estas obras, Abendland es un mundo sin seres humanos.

HELSINKI CONTEMPORARY
Ville Andersson (nacido en 1986, vive y trabaja en Helsinki)
Andersson combina la figura romántica oscura de un artista con la de un dandi con clase. En las situaciones dramatizadas de las fotografías existe una intensa fuerza mística y psicológica. Esta fuerza también está presente en las pinturas, que están en diálogo con una civilización anterior: con la literatura, el cine y las bellas artes. En el estilo del artista se pueden ver influencias de muchos períodos de tiempo diferentes. Andersson ve vínculos claros y continuos en este extenso material de origen. Utiliza el archivo de la historia del arte como una especie de diccionario, formando frases nuevas y llevando el diálogo que ya está teniendo lugar. La atención se centra en los seres humanos entrelazados y las partes del cuerpo fragmentadas. Están envueltos en una atmósfera de misterio que no se aleja del espectador con facilidad.

Las obras se mueven en un mundo de matices de blanco y negro, algo ya utilizado en la producción anterior de Andersson. Las funciones del blanco y el negro como algo que hace detener el tiempo, las imágenes parecen vivir en su propio mundo, al margen de la realidad del espectador. Estética y belleza tienen su propio lugar en el arte de Andersson. En su opinión, se trata de un velo a través del cual podemos filtrar incluso nuestros sentimientos más oscuros (los conscientes y los inconscientes). La obra de arte funciona como una especie de dispositivo suavizador, con cuya ayuda podemos estar en contacto con estos sentimientos.

KORJAAMO
Riiko Sakkinen (nacido en 1976, vive y trabaja en Cervera de los Montes, Toledo)
Riiko Sakkinen hace observaciones sociales, aprovechando la gran cantidad de material gráfico del mundo de la publicidad y los bienes de consumo. Los motivos de los dibujos, pinturas, anuncios y de los diferentes objetos e instalaciones se refieren a la vida cotidiana, las imágenes de la cultura popular y el debate social actual. Tras graduarse en la Academia Finlandesa de Bellas Artes en 2002, se trasladó a la pequeña localidad de Cervera de los Montes (Toledo). Sakkinen participa de los debates culturales de Finlandia y la expresión artista en los medios de comunicación le describe muy bien.

En ARCOmadrid, la exposición de Sakkinen está formada por platos de cerámica y una pieza de luz de neón. Los platos muestran las aventuras de personajes tomados de cómics, paquetes de cereales, anuncios y animaciones, desde Hello Kitty hasta Superman, y se complementan con un lema. La publicidad de neón reza: "Escribid a Papá Noel y pedid trabajo". Esta es una variante de una obra anterior donde la palabra "trabajo" fue reemplazada por "libertad".

"Mis platos de cerámica se pintaron en Talavera de la Reina, a unos diez kilómetros del pueblo español en el que vivo. La cerámica de Talavera es famosa en todo el mundo. La he visto, por ejemplo, en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Los pintores con los que trabajo no son ayudantes anónimos, son maestros en la materia, orgullosos de su vocación, que modifican los temas de mis dibujos y pinturas para adaptarlos a la cerámica, y a menudo vienen con una forma más creativa que la que yo podría haber hecho. Mi cerámica de Talavera combina la localidad de mi vida cotidiana y el mundo de la cultura consumista global, la política y la economía con la que lidio en mi obra."

MAKE YOUR MARK
EGS empezó su carrera en el mundo del grafiti a mediados de los años 80. Utiliza pintura en spray, tinta, madera, papel y otro tipo de medios en sus trabajos. Sus obras se centran en tres letras: E, G y S, que aparecen en todos sus trabajos. Ha expuesto en museos y galerías alrededor del mundo. Variaciones de las tres letras estarán expuestas en la sección #Opening de ARCOmadrid.

“Cada ola, estrella, gota o bloque que he pintado se puede asociar a esta actitud de grafitero antropológico. Cada sombra es una reminiscencia de algún graffiti que he visto anteriormente. Cada 3D o burbuja tiene una historia que contar. Cada pieza que he hecho homenajea al gran folklore grafitero.” – EGS

PHOTOGRAPHIC GALLERY HIPPOLYTE
Perttu Saksa (nacido 1977, vive y trabaja en Helsinki)
Perttu Saksa es un artista visual y fotógrafo de Helsinki. En sus fotografías se esfuerza por presentar motivos que de otro modo no serían el objeto de atención. Saksa trata la relación entre el hombre y la naturaleza, así como el retrato como género. En su serie fotográfica Echo (2012), Saksa ha fotografiado primates encontrados en antiguas colecciones de ciencias naturales en Europa. Las obras de la serie cuestionan la pequeña diferencia entre un humano y un animal, y explican las formas de escribir la historia con la ayuda de las ciencias naturales. "Los animales no crean narrativas. Existen. Nosotros coexistimos. Las representaciones de animales se basan en relatos, no en la naturaleza ni en los animales, sino en nosotros. Vemos a los animales como queremos que sean, así como a las personas que nos gustaría ser." Para Saksa, las formas de llevar vidas paralelas de seres humanos y animales son importantes, y también cómo el hombre, inevitablemente, describiendo la naturaleza, hace que la cultura sea parte de él.

En su nueva serie de obras, Kind of You (2013), Saksa ha continuado con este tema y ha estado fotografiando monos bailarines en Indonesia que actúan en la calle con vestidos y máscaras tradicionales. La serie fotográfica es una visión de la humanidad; de las formas de dominio y subordinación de la naturaleza de las personas para que esta sea como ellas. Dancing monkeys se ha convertido en un teatro callejero urbano cruel y macabro. Saksa explora la capacidad humana de la empatía y las formas en que nos enfrentamos a la alteridad: "Detrás de todo esto está una incertidumbre y una conciencia de nuestro lugar en el mundo que nos permite cuestionarnos y reflexionar sobre nuestra relación con el espacio circundante. En las fotos esto está relacionado con las contradicciones, lo que probablemente se podría denominar como las sombras de la humanidad. Las sombras nos llevan a lugares incompletos y llenos de contradicciones."

Además de su arte fotográfico, Perttu Saksa es conocido por sus retratos psicológicos personales, así como por su actividad de fotógrafo de prensa.

SHOWROOM HELSINKI
Jiri Geller (nacido en 1970, vive y trabaja en Helsinki)
Como finlandés, la obra de Jiri Geller se adapta perfectamente a esa trágica y orgullosa tradición nórdica gris. Sus esculturas son elementales y esenciales, fascinado como está por la muerte y la violencia, la crítica de la falacia y lo falso, y siempre consciente de cuán oscuro puede ser el mundo. Sin embargo, en lugar de limitarse por sus raíces (o negarlas), Geller mantiene este marco conceptual impecable y lo hace global.

Los objetos de Geller tienen significado a pesar de su solidez y materialidad. Una energía pesimista y a la vez lúdica (a veces muy profunda) fluye a través de ellos: las escaleras mecánicas conectan con ninguna parte; los tsunamis de fibra de vidrio prometen deporte ocioso y/o la muerte por inundación; conos de helado congelados medio derretidos junto a cráneos exquisitos que se derriten y gotean como los dulces de caramelo en el sol.

Es raro ver la alegría y la pesadez perfectamente combinadas en una misma visión artística: las fabricaciones de globos de Geller irradian toda la alegría desenfadada de retratos de niños... que han muerto recientemente. Además, ha construido un módulo de control de videojuegos posiblemente con la intención de quemarte vivo.

SIC
SIC participará en la sección #Opening de ARCOmadrid con una instalación que presentará los trabajos de todos los artistas de SIC como grupo. La instalación consiste en obras individuales de Olli Keränen, Karri Kuoppala, Muriel Kuoppala, Kalle Leino, Maija Luutonen, Konsta Ojala, Sauli Sirviö, Timo Vaittinen y Laura Wesamaa, con un importante énfasis en el uso versátil del stand en la Feria.

SINNE
Anna Rokka
Anna Rokka es una escultora fino-sueca que monta grandes instalaciones espaciales para sus exposiciones. A menudo, las estructuras son una reminiscencia de una casa en un árbol o de una vivienda. El visitante de la exposición también llega a visitar su interior. El ambiente de las obras también recuerda a visiones apocalípticas o alucinaciones, cuyos colores crean espacios psicodélicos con sus tonalidades brillantes y atenuadas. Rokka describe el proceso de acabado de sus obras de la siguiente manera:

"Me centro en experimentar con instalaciones interactivas. La investigación, la captación de la ciencia ficción y los pensamientos sobrenaturales unen estas ideas con mis intereses en la artesanía antigua, la arquitectura tradicional y los mitos. El antipensamiento es una buena forma para mí de abordar el proceso. Esto me hace tener ideas que de otro modo no habría tenido."

TAIK PERSONS
Niko Luoma (nacido en 1970, vive y trabaja en Helsinki y Nueva York)
La nueva serie fotográfica de Niko Luoma tiene sus referencias en la pintura modernista geométrica y en la música atonal. Al mismo tiempo, su forma de trabajar está relacionada con el conceptualismo de los años setenta (el mundo es visto a través de un sistema elegido). Luoma ha estado trabajando en series analógicas basadas en imágenes abstractas y luminosas desde el 2006. En palabras de Luoma:

"Mi material es ligero. La obra se centra en la energía en vez de en la materia. Mi obra trata del proceso y del resultado. Mi proceso combina sistemas de cálculo y de cambio. Encuentro mi inspiración en las matemáticas y la geometría; la simetría y el caos, tanto imaginarios como los que se encuentran en la naturaleza. Utilizo varias exposiciones como método. Estoy interesado en la repetición y la continuación como conceptos. En los últimos diez años he intentado encontrar repetidamente nuevas formas de desafiar el proceso fotográfico, es decir, para evitar soluciones conocidas. Trabajar solo con luz y materiales sensibles a la luz, estoy fascinado porque este proceso no deja nada atrás (sin residuos, sin ruinas), solo un negativo expuesto.

En la primera serie de la trilogía llamada Variations on a Standard of Space, Luoma estudia la relación de varias capas de un cubo y los colores primarios con las observaciones de Cézanne y el cubismo temprano. Luoma describe la metodología de esta obra: "El uso del término 'variante' se refiere a la improvisación, la interpretación y la oportunidad. Como resultado, cada fotografía combina doce eventos y tres colores que forman la entidad del espacio y el color bajo el tema de 'variación' y 'colapso'."