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ARCO Madrid

Artistas en #FocusFinland

#FocusFinland Pavilion

Heta Kuchka (nacida en 1974, vive y trabaja en Helsinki)
En sus obras, Heta Kuchka combina de forma natural la alegría de la vida con matices más oscuros. Trabaja con vídeo, fotografía y dibujo. Kuchka trata las relaciones interpersonales y se acerca a sus motivos con un gran sentido del humor. En los últimos años, ha tratado temas como los temores de los jóvenes, el envejecimiento y la muerte. En sus obras aparecen actores amateurs además de la artista.

06 feb 2014

En el #FocusFinland Pavilion, se muestran dos videoinstalaciones: la primera, A Portrait of the Young Man, tiene como protagonista a la sauna, asociada tradicionalmente con Finlandia. En palabras de la propia artista, "Finlandia es un país con pocas personas que habitan en una zona de bosques y lagos bastante amplia, por lo que todo el mundo está acostumbrado a tener un montón de espacio a su alrededor. Un centenar de jóvenes se sientan en la sauna apretados, formando una superficie de piel desnuda. La cámara está rodando. El espectador empieza a reconocer a los individuos que van reaccionando al calor y se marchan uno a uno”. En su videoinstalación de cuatro canales The Sky’s A Falling And We Better Hurry Up Or The Both Of Us Are Dead, Kuchka forma una banda de bluegrass compuesta por una sola mujer. Para ello, se pasó un mes aprendiendo a tocar los instrumentos utilizados por su difunto padre, músico de profesión.

Galerías
AMA
Elina Brotherus (nacida en 1972, vive y trabaja en Helsinki)
Elina Brotherus es fotógrafa y videoartista. Se licenció en la Escuela de Arte y Diseño (hoy en día Universidad de Aalto). Sus primeras obras tratan de experiencias personales pero comunes y de la presencia o ausencia del amor. Además, ha estado investigando en sus obras la relación entre la fotografía en la pintura paisajística, por un lado, y la iconografía de la pintura clásica, por el otro. Ha evolucionado de una forma de trabajar similar a escribir un diario hacia preguntas filosóficas más generales. Sin embargo, la modelo de las obras ha sido durante mucho tiempo la propia artista.

Una de sus obras más relevantes es la serie Suites françaises, en la que la artista, utilizando notas adhesivas, aprende sobre la lengua y vida francesas en una cultura extranjera. Más recientemente ha regresado a los mismos paisajes en su serie 12 ans après (12 años después). En 2011, Brotherus fue invitada de nuevo a Chalon-sur-Saône, aunque en esta ocasión para enseñar en un taller de una escuela local de secundaria. Permaneció en la misma casa de huéspedes del monasterio que en su anterior estancia y fotografió muchos de los mismos lugares que había explorado visualmente doce años antes. Un diálogo conmovedor entre los autorretratos de una joven y los de una artista de mediana edad que hace visible el paso del tiempo.

ANHAVA
Antti Laitinen (nacido en 1975, vive y trabaja en Somero)
Antti Laitinen realiza fotografías, vídeos y performances, construye islas y objetos conceptuales, excava y se documenta y rema junto a icebergs. No desconoce casi ninguna técnica. Pero las obras de Laitinen no son despreocupadas ni hippies, ya que están planificadas al detalle, son consideradas y realizadas cuidadosamente, y sólidas formalmente.

Las obras de ARCOmadrid son parte de Forest Square, una obra preparada para la Bienal de Venecia del pasado verano. Forest Square (2012-2013) cristaliza la manera de trabajar de Laitinen, en la que los aspectos esenciales son una actitud intransigente, la comprobación de los límites físicos y psicológicos, lo absurdo de las situaciones e incluso el humor. Sus obras a menudo se basan en la representación, en la presencia del artista, que se documenta mediante fotografías o vídeos. En Forest Square, Laitinen despejó un área de bosques de 100 metros cuadrados (10x10 m), montó todo el material que había quitado y lo clasificó sistemáticamente. La obra consta de tres fotografías, un vídeo documental y el material de la naturaleza recogido de la zona despejada.

FORSBLOM
Leena Nio (nacida en 1982, vive y trabaja en Helsinki)
Leena Nio busca inspiración con la imaginación y las imágenes que nacen inconscientemente. Temas clásicos como el retrato, el paisaje y la naturaleza muerta, así como ciertos colores y formas, se repiten en sus obras. En las pinturas, a menudo hay dos imágenes superpuestas o internas que Nio utiliza para romper el clasicismo de la materia. Su técnica precisa, junto con su sistematicidad y espontaneidad, se combinan para crear la superficie y la profundidad de la pintura. En sus pinturas al óleo, se abordan sentimientos de marginación e identificación a través de temas cotidianos y la experiencia.

El movimiento del espectador se convierte en parte de la obra, como la estructura de las pinturas y el cambio de materialidad cuando el espectador se mueve. Una vista más cercana hace hincapié en el aspecto físico de la pintura: una gruesa capa de pintura y los surcos dejados por el pincel logran una impresión abstracta y ornamental. Cuando se contempla desde lejos, las imágenes superpuestas se vuelven más específicas. La distancia da la oportunidad de ver dentro de la imagen, mientras que la proximidad física reduce la capacidad de percibir la imagen. Las obras y el mundo que crean son un nuevo tipo de entidad visual y espacial.

FORUM BOX
Mia Hamari (nacida en 1976, vive y trabaja en Simo)
Las esculturas de Hamari son parte de la reaparición de la tradición de la escultura de madera finlandesa que durante cientos de años ha sido tradicional en este país de bosques. A finales de la década de 1990 aparecieron varios escultores, tanto mujeres como hombres, que han desarrollado las tradiciones de la talla en madera. Hamari es una narradora que crea un mundo de fantasía con sus obras.

Hamari talla madera de forma cuidadosa y añade a sus obras materiales como el bronce, el hueso, la piel y la corteza, así como colores. Los motivos a menudo consisten en mostrar su infancia y al mismo tiempo la atmósfera melancólica del mundo del circo. Los títulos Somnambulist, Fairytale y Traveller dirigen la interpretación de las obras del espectador. Las esculturas crean un ambiente mágico y maravilloso. Las figuras cobran vida ante los ojos del público y en su imaginación.

HEINO
IC-98 (Patrik Söderlund nacido en 1974 y Visa Suonpää nacido 1968, viven y trabajan en Turku)
El grupo artístico IC-98, anteriormente conocido como Iconoclast, fue fundado en Turku en 1998. El grupo está interesado en los acontecimientos que nunca tuvieron lugar, las fantásticas relaciones entre las cosas, los sistemas de aprendizaje ortodoxos y la herejía, la presencia de la historia en el presente, los diseños y los mecanismos de control del organismo social y de la arquitectura y las técnicas para librarse de ellos. La elección de las herramientas siempre depende del contexto de la materia, su historia y la situación actual, así como de los objetivos de la actividad actual.

IC-98 realiza mucha investigación empírica y documental. La investigación tradicional se combina con puntos de vista personales e intuitivos. Las obras finales (dibujos, películas de animación, libros o instalaciones) son combinaciones multifacéticas creadas a partir de diferentes fuentes de conocimiento. Son tipos de puesta en escena, un teatro, donde se muestra el mundo según IC-98. Todos los proyectos de IC-98 pueden caracterizarse como estructuras narrativas, esbozos o guiones que funcionan como un resumen de los flujos lingüísticos y afectivos.

En las animaciones Abendland II & III (The Place That Was Promised & The Edge That Was Set), el mundo de la oscuridad es el universo de las historias de IC-98. Para ellos, el ocaso no es tanto la disminución del poder económico y político del mundo occidental ni los debates en torno a este, sino más bien el fin del ser humano y la esperanza de que la naturaleza, después de todo, sobreviva. En estas obras, Abendland es un mundo sin seres humanos.

HELSINKI CONTEMPORARY
Ville Andersson (nacido en 1986, vive y trabaja en Helsinki)
Andersson combina la figura romántica oscura de un artista con la de un dandi con clase. En las situaciones dramatizadas de las fotografías existe una intensa fuerza mística y psicológica. Esta fuerza también está presente en las pinturas, que están en diálogo con una civilización anterior: con la literatura, el cine y las bellas artes. En el estilo del artista se pueden ver influencias de muchos períodos de tiempo diferentes. Andersson ve vínculos claros y continuos en este extenso material de origen. Utiliza el archivo de la historia del arte como una especie de diccionario, formando frases nuevas y llevando el diálogo que ya está teniendo lugar. La atención se centra en los seres humanos entrelazados y las partes del cuerpo fragmentadas. Están envueltos en una atmósfera de misterio que no se aleja del espectador con facilidad.

Las obras se mueven en un mundo de matices de blanco y negro, algo ya utilizado en la producción anterior de Andersson. Las funciones del blanco y el negro como algo que hace detener el tiempo, las imágenes parecen vivir en su propio mundo, al margen de la realidad del espectador. Estética y belleza tienen su propio lugar en el arte de Andersson. En su opinión, se trata de un velo a través del cual podemos filtrar incluso nuestros sentimientos más oscuros (los conscientes y los inconscientes). La obra de arte funciona como una especie de dispositivo suavizador, con cuya ayuda podemos estar en contacto con estos sentimientos.

KORJAAMO
Riiko Sakkinen (nacido en 1976, vive y trabaja en Cervera de los Montes, Toledo)
Riiko Sakkinen hace observaciones sociales, aprovechando la gran cantidad de material gráfico del mundo de la publicidad y los bienes de consumo. Los motivos de los dibujos, pinturas, anuncios y de los diferentes objetos e instalaciones se refieren a la vida cotidiana, las imágenes de la cultura popular y el debate social actual. Tras graduarse en la Academia Finlandesa de Bellas Artes en 2002, se trasladó a la pequeña localidad de Cervera de los Montes (Toledo). Sakkinen participa de los debates culturales de Finlandia y la expresión artista en los medios de comunicación le describe muy bien.

En ARCOmadrid, la exposición de Sakkinen está formada por platos de cerámica y una pieza de luz de neón. Los platos muestran las aventuras de personajes tomados de cómics, paquetes de cereales, anuncios y animaciones, desde Hello Kitty hasta Superman, y se complementan con un lema. La publicidad de neón reza: "Escribid a Papá Noel y pedid trabajo". Esta es una variante de una obra anterior donde la palabra "trabajo" fue reemplazada por "libertad".

"Mis platos de cerámica se pintaron en Talavera de la Reina, a unos diez kilómetros del pueblo español en el que vivo. La cerámica de Talavera es famosa en todo el mundo. La he visto, por ejemplo, en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Los pintores con los que trabajo no son ayudantes anónimos, son maestros en la materia, orgullosos de su vocación, que modifican los temas de mis dibujos y pinturas para adaptarlos a la cerámica, y a menudo vienen con una forma más creativa que la que yo podría haber hecho. Mi cerámica de Talavera combina la localidad de mi vida cotidiana y el mundo de la cultura consumista global, la política y la economía con la que lidio en mi obra."

MAKE YOUR MARK
EGS empezó su carrera en el mundo del grafiti a mediados de los años 80. Utiliza pintura en spray, tinta, madera, papel y otro tipo de medios en sus trabajos. Sus obras se centran en tres letras: E, G y S, que aparecen en todos sus trabajos. Ha expuesto en museos y galerías alrededor del mundo. Variaciones de las tres letras estarán expuestas en la sección #Opening de ARCOmadrid.

“Cada ola, estrella, gota o bloque que he pintado se puede asociar a esta actitud de grafitero antropológico. Cada sombra es una reminiscencia de algún graffiti que he visto anteriormente. Cada 3D o burbuja tiene una historia que contar. Cada pieza que he hecho homenajea al gran folklore grafitero.” – EGS

PHOTOGRAPHIC GALLERY HIPPOLYTE
Perttu Saksa (nacido 1977, vive y trabaja en Helsinki)
Perttu Saksa es un artista visual y fotógrafo de Helsinki. En sus fotografías se esfuerza por presentar motivos que de otro modo no serían el objeto de atención. Saksa trata la relación entre el hombre y la naturaleza, así como el retrato como género. En su serie fotográfica Echo (2012), Saksa ha fotografiado primates encontrados en antiguas colecciones de ciencias naturales en Europa. Las obras de la serie cuestionan la pequeña diferencia entre un humano y un animal, y explican las formas de escribir la historia con la ayuda de las ciencias naturales. "Los animales no crean narrativas. Existen. Nosotros coexistimos. Las representaciones de animales se basan en relatos, no en la naturaleza ni en los animales, sino en nosotros. Vemos a los animales como queremos que sean, así como a las personas que nos gustaría ser." Para Saksa, las formas de llevar vidas paralelas de seres humanos y animales son importantes, y también cómo el hombre, inevitablemente, describiendo la naturaleza, hace que la cultura sea parte de él.

En su nueva serie de obras, Kind of You (2013), Saksa ha continuado con este tema y ha estado fotografiando monos bailarines en Indonesia que actúan en la calle con vestidos y máscaras tradicionales. La serie fotográfica es una visión de la humanidad; de las formas de dominio y subordinación de la naturaleza de las personas para que esta sea como ellas. Dancing monkeys se ha convertido en un teatro callejero urbano cruel y macabro. Saksa explora la capacidad humana de la empatía y las formas en que nos enfrentamos a la alteridad: "Detrás de todo esto está una incertidumbre y una conciencia de nuestro lugar en el mundo que nos permite cuestionarnos y reflexionar sobre nuestra relación con el espacio circundante. En las fotos esto está relacionado con las contradicciones, lo que probablemente se podría denominar como las sombras de la humanidad. Las sombras nos llevan a lugares incompletos y llenos de contradicciones."

Además de su arte fotográfico, Perttu Saksa es conocido por sus retratos psicológicos personales, así como por su actividad de fotógrafo de prensa.

SHOWROOM HELSINKI
Jiri Geller (nacido en 1970, vive y trabaja en Helsinki)
Como finlandés, la obra de Jiri Geller se adapta perfectamente a esa trágica y orgullosa tradición nórdica gris. Sus esculturas son elementales y esenciales, fascinado como está por la muerte y la violencia, la crítica de la falacia y lo falso, y siempre consciente de cuán oscuro puede ser el mundo. Sin embargo, en lugar de limitarse por sus raíces (o negarlas), Geller mantiene este marco conceptual impecable y lo hace global.

Los objetos de Geller tienen significado a pesar de su solidez y materialidad. Una energía pesimista y a la vez lúdica (a veces muy profunda) fluye a través de ellos: las escaleras mecánicas conectan con ninguna parte; los tsunamis de fibra de vidrio prometen deporte ocioso y/o la muerte por inundación; conos de helado congelados medio derretidos junto a cráneos exquisitos que se derriten y gotean como los dulces de caramelo en el sol.

Es raro ver la alegría y la pesadez perfectamente combinadas en una misma visión artística: las fabricaciones de globos de Geller irradian toda la alegría desenfadada de retratos de niños... que han muerto recientemente. Además, ha construido un módulo de control de videojuegos posiblemente con la intención de quemarte vivo.

SIC
SIC participará en la sección #Opening de ARCOmadrid con una instalación que presentará los trabajos de todos los artistas de SIC como grupo. La instalación consiste en obras individuales de Olli Keränen, Karri Kuoppala, Muriel Kuoppala, Kalle Leino, Maija Luutonen, Konsta Ojala, Sauli Sirviö, Timo Vaittinen y Laura Wesamaa, con un importante énfasis en el uso versátil del stand en la Feria.

SINNE
Anna Rokka
Anna Rokka es una escultora fino-sueca que monta grandes instalaciones espaciales para sus exposiciones. A menudo, las estructuras son una reminiscencia de una casa en un árbol o de una vivienda. El visitante de la exposición también llega a visitar su interior. El ambiente de las obras también recuerda a visiones apocalípticas o alucinaciones, cuyos colores crean espacios psicodélicos con sus tonalidades brillantes y atenuadas. Rokka describe el proceso de acabado de sus obras de la siguiente manera:

"Me centro en experimentar con instalaciones interactivas. La investigación, la captación de la ciencia ficción y los pensamientos sobrenaturales unen estas ideas con mis intereses en la artesanía antigua, la arquitectura tradicional y los mitos. El antipensamiento es una buena forma para mí de abordar el proceso. Esto me hace tener ideas que de otro modo no habría tenido."

TAIK PERSONS
Niko Luoma (nacido en 1970, vive y trabaja en Helsinki y Nueva York)
La nueva serie fotográfica de Niko Luoma tiene sus referencias en la pintura modernista geométrica y en la música atonal. Al mismo tiempo, su forma de trabajar está relacionada con el conceptualismo de los años setenta (el mundo es visto a través de un sistema elegido). Luoma ha estado trabajando en series analógicas basadas en imágenes abstractas y luminosas desde el 2006. En palabras de Luoma:

"Mi material es ligero. La obra se centra en la energía en vez de en la materia. Mi obra trata del proceso y del resultado. Mi proceso combina sistemas de cálculo y de cambio. Encuentro mi inspiración en las matemáticas y la geometría; la simetría y el caos, tanto imaginarios como los que se encuentran en la naturaleza. Utilizo varias exposiciones como método. Estoy interesado en la repetición y la continuación como conceptos. En los últimos diez años he intentado encontrar repetidamente nuevas formas de desafiar el proceso fotográfico, es decir, para evitar soluciones conocidas. Trabajar solo con luz y materiales sensibles a la luz, estoy fascinado porque este proceso no deja nada atrás (sin residuos, sin ruinas), solo un negativo expuesto.

En la primera serie de la trilogía llamada Variations on a Standard of Space, Luoma estudia la relación de varias capas de un cubo y los colores primarios con las observaciones de Cézanne y el cubismo temprano. Luoma describe la metodología de esta obra: "El uso del término 'variante' se refiere a la improvisación, la interpretación y la oportunidad. Como resultado, cada fotografía combina doce eventos y tres colores que forman la entidad del espacio y el color bajo el tema de 'variación' y 'colapso'."