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ARCO Madrid

#SOLOPROJECTS

Con el objetivo de investigar y analizar la producción artística actual latinoamericana, ARCOmadrid plantea la sección #SoloProjects, en colaboración con la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID). La selección de las 21 galerías ha sido realizada por un equipo de cuatro comisarios de prestigio internacional: Magali Arriola (México), Marcio Harum (Brasil), Sharon Lerner (Perú) y Tobias Ostrander (Estados Unidos).

06 feb 2014

GALERÍA CIUDAD PAÍS
80M2 LIVIA BENAVIDES Lima PERÚ
ALBERTA PANE París FRANCIA
AURAL Alicante ESPAÑA
BARRO ARTE CONTEMPORÁNEO Buenos Aires ARGENTINA
DCONCEPT ESCRITORIO DE ARTE Sao Paulo BRASIL
DOCUMENT ART Buenos Aires ARGENTINA
EMMA THOMAS Sao Paulo BRASIL
ESPACE MEYER ZAFRA París FRANCIA
FILOMENA SOARES Lisboa PORTUGAL
HENRIQUE FARÍA FINE ART New York ESTADOS UNIDOS
MARCELO GUARNIERI Sao Paulo BRASIL
MIRTA DEMARE Rotterdam PAÍSES BAJOS
MITE Buenos Aires ARGENTINA
NORA FISCH Buenos Aires ARGENTINA
PILAR Sao Paulo BRASIL
PROYECTO PARALELO México DF MÉXICO
REVOLVER Lima PERÚ
STEVE TURNER CONTEMPORARY Los Ángeles ESTADOS UNIDOS
WU GALERÍA Lima PERÚ
Y GALLERY NEW YORK New York ESTADOS UNIDOS
ZAVALETA LAB Buenos Aires ARGENTINA


COMISARIOS
Los cuatro comisarios del programa #SoloProjects parten de un elevado conocimiento del nuevo panorama artístico latinoamericano, y acumulan una larga trayectoria curatorial.

Magali Arriola (México). Es comisaria Jefe de la Fundación/Colección Jumex. Anteriormente fue comisaria jefe del Museo Tamayo (2009-2011) y del Museo de arte Carrillo Gil (1997-2000). Arriola ha comisariado Alibis, en el Instituto Cultural Mexicano de París y en Witte de With, Rotterdam (2002), How to Learn to Love the Bomb and Stop Worrying about It, CANAIA, México DF y en la Central de Arte en Guadalajara, Mexico (2003–04). En 2006 fue comisaria en residencia en el Wattis Institute for Contemporary Art de San Francisco. Ha colaborado con publicaciones como Poliéster, ArtNexus, Parachute, Exit, Spike, Afterall y Manifesta Journal.

Marcio Harum (Brasil). Es curador de artes visuales en el Centro Cultural São Paulo (CCSP). Juntamente con Paola Santoscoy es director del Onceavo Simposio Internacional de Teoría Sobre Arte Contemporáneo SITAC XI en México DF (agosto de 2013). Fue fellow del Goethe-Institut en el departamento de programas públicos de dOCUMENTA (13) en Kassel, 2012. Realizó la muestra colectiva Meditation,Trance en Mendes Wood, y desarolló los seminarios de la serie Panoramas do Sul para el festival 17º Videobrasil (ambos en São Paulo) en 2011. Forma parte del equipo de críticos del programa anual de exposiciones del Centro Cultural São Paulo y de la Temporada de Projetos de Paço das Artes desde 2009. Coordinó los programas de talleres ‘Experiencias Dialógicas’ dirigidos hacia la práctica curatorial en el Centro Cultural de España en São Paulo y en Cada 2, trabajó como orientador de los artistas en formación en SESC Pompéia (2009-2010). Participó en el comité curatorial del programa nacional Rumos Artes Visuais 2008 / 2010 del Instituto Itaú Cultural. Estuvo en residencia curatorial en centros de arte, como el programa “Harder, better, stronger, slower!” (Madrid, 2008) y en el Frankfurter Kunstverein en 2007. Participó de la fundación de la Bienal del Fin del Mundo (Ushuaia, Argentina, 2007) y colaboró en la 10ª Bienal de La Habana en 2009. Fue asistente curatorial de la 27ª Bienal de São Paulo en 2006. Vive y trabaja en São Paulo.

Sharon Lerner (Perú). Curadora de arte contemporáneo del Museo de Arte de Lima – MALI. Obtuvo el MA del programa de Curatorial Practice del California College of the Arts (2010). En el 2008 fue miembro del equipo a cargo de la Oficina de Artes Visuales de la Municipalidad de Miraflores, donde participó en el desarrollo colectivo de varias exhibiciones. En el 2010 obtuvo el 101 Curatorial Fellowship del Wattis Institute for Contemporary Arts. Durante ese período se desempeñó como investigadora para la Kadist Art Foundation. Es co-autora de Corpus fragmentado: acciones en Lima 1966-2000, (ensayo escrito en colaboración con Jorge Villacorta) aparecido en Arte no es vida: Actions by Artists of the Americas 1960-2000 (Museo del Barrio, NY, 2008) y de Post-ilusiones. Nuevas visiones. Arte crítico en Lima (1980-2006) (Lima, Fundación Wiese, 2007).

Tobias Ostrander (Estados Unidos). Ha sido comisario jefe y director adjunto del departamento de conservación del MIART desde 2011, donde se encuentra al cargo del diseño del programa institucional para el nuevo edificio diseñado por Herzog y DeMeuron cuya inauguración está prevista para diciembre de 2013.
Entre 2001 y 2009 fue comisario jefe del Museo Tamayo en Mexico y desde 2009 hasta 2011 director del museo EL Eco.
Entre sus exposiciones recientes en Miami se incluyen: Frames of Reference: Latin American Art from the Jorge M. Pérez Collection y Restless: Selections from the Collection of the Miami Art Museum (2012).

Manuela Moscoso entrevista a los comisarios de #SoloProjects

Manuela Moscoso: Trabajaste 13 años en México y desde el año pasado tienes la posición de Curador Jefe del Miami Art Museum ¿De qué forma este desplazamiento hacia Estados Unidos ha informado tu visión de la producción artística Latinoamericana? ¿Cómo esto se verá reflejado en tu contribución a la sección de #SoloProjects"?

Tobias Ostrander: En los últimos 5 o 6 años, hemos visto más intercambios y colaboraciones entre artistas trabajando en distintos países de América Latina y la articulación de una perspectiva más regional. Veo artistas buscando, más que hace 10 o 12 años, oportunidades de presentar su obra en espacios adentro de América Latina, desarrollando diálogos dinámicos entre distintos contextos en la región. Vemos estos diálogos reflejados en la diversificación de la representación de artistas en galerías latinas, con mexicanos trabajando con galerías en el Perú, o Colombianos con espacios en Brasil, etc. Esta interesante situación ha tenido un efecto sobre mi contribución y selección de artistas para #SoloProjects y la inclusión de artistas que trabajan con galerías latinas que no están basadas en su país natal. Esta perspectiva regional también ha tenido mucha influencia en mi manera de pensar sobre la programación del Pérez Art Museum Miami y el desarrollo hacia una perspectiva transnacional sobre el contexto que esta ciudad ofrece; Miami como un nodo e intersección entre el sur de los Estados Unidos, el Caribe y América Latina.

MM: Estoy de acuerdo contigo, en los últimos años se percibe que la región pasa por un proceso de articulación continuo y sólido. ¿Crees que estas nuevas dinámicas corresponden a un relevo generacional y a la profesionalización del sector? O ¿Qué otros factores crees que han influenciado de forma contundente el transcurso actual de las artes en América Latina?

Tobias Ostrander: Si, este interés en América Latina desde América Latina tiene que ver con la profesionalización de una nueva generación de artistas, curadores, galeristas, escritores, etc. Pienso que hace 5 ó 6 años había una reacción contra la homogenización de la globalización con un enfoque en lo local de América Latina, existía un interés por tu propia cuidad, historia, contexto cultural, y en el desarrollo de nuevos espacios artísticos y producción basada en el contexto inmediato. Pero ahora veo un interés en expandir los intereses locales hacia lo regional como una manera de no dialogar con todo el mundo, pero buscar intercambios con contextos artísticos, espacios, galerías, que son similares o enfrentan preguntas paralelas (como económicos, lingüísticos, gubernamentales, historias coloniales, desarrollo urbanos o estructuras sociales). Es una vista de lo regional como un espacio crítico entre lo global y lo local.

Manuela Moscoso: Magalí trabajas como Curadora de la Fundación/Colección Jumex en México, una institución privada que, corrígeme si no soy exacta, empieza en el 2001 con el objetivo de promover la producción y reflexión de conocimiento de arte contemporáneo, y es ahora una de las colecciones de arte contemporáneo más importantes de Latinoamérica. ¿Nos puedes contar el rol que tiene el coleccionismo privado en la construcción de un ecosistema saludable de producción cultural actualmente?

Magalí Arriola: Si la Fundación/Colección Jumex abrió su espacio en Ecatepec en el 2001 con vistas a hacer públicas las obras de la colección y, a la par, empezó con su programa de Patrocinios y Becas que quizás haya sido uno de los factores más determinantes para el desarrollo y la profesionalización de la escena artística de México. Dicho programa no sólo permitió ampliar los presupuestos de muchas de las instituciones de gobierno y el desarrollo de espacios independientes, sino también el que muchos de nuestros artistas y curadores pudieran estudiar fuera del país ampliando así nuestra red de intercambios. Así que, más allá de haber apoyado en forma continua a las galerías y a los artistas de la escena local a partir de un programa de adquisiciones, el que la fundación haya desarrollado un programa de carácter filantrópico también ha contribuido en forma muy importante a que se genere ese ecosistema del que hablas. Dicho ecosistema puede entenderse como todo un engranaje que para funcionar requiere que cada uno de los actores involucrados en la escena (artistas, galerías, coleccionistas, curadores, críticos, instituciones...) permanezcan activos y operantes. Por lo tanto, si bien el coleccionismo como tal es medular para el sano funcionamiento de una escena, también es tan sólo un elemento dentro de un conjunto más amplio con el cual, me parece, debe de tejer otro tipo de vínculos y complicidades.

MM: Vínculos como por ejemplo poner en marcha el programa de patrocinios y becas. El rol de “tejedor” debe ser operado de forma profesional y conociendo el campo de las artes. ¿Desde tu experiencia, de qué forma este tipo de responsabilidad puede recaer en el curador? Y si has visto algún ejemplo concreto además de Jumex podría ser interesante incluir en esta conversación.

Magalí Arriola: Me gustaría pensar que no hay una dependencia directa del curador sino que precisamente se pueden desarrollar, extender y fortalecer este tipo de vínculos a partir de una red sana de intercambios entre distintos agentes. Hasta ahora les estrategias que se han utilizado han sido las tradicionales -convocatorias abiertas para que instituciones e individuos soliciten apoyos a proyectos las más de las veces curatoriales y becas para estudios en el extranjero. La idea hoy es empezar a pensar en desarrollar formas de apoyo más eficientes y atractivas para la escena local, que puedan por ejemplo servir para impulsar también áreas como la editorial, la investigación histórica o el rescate de archivos, que en muchos de nuestros países han estado desatendidas precisamente por una falta de infraestructura y recursos.

Manuela Moscoso: ¿Nos puedes contar la metodología de trabajo que como equipo van a seguir en esta edición? ¿Cómo se hará el proceso de selección y de qué forma #SoloProjects responderá a una acción curatorial?

Sharon Lerner: En esta primera etapa de trabajo cada uno de los curadores ha propuesto distintas galerías y artistas que son de su interés para que sean invitados a postular con sus proyectos más recientes a la feria. Las propuestas aún no han sido entregadas, así que en estos momentos es difícil poder adelantar con qué nos vamos a encontrar y la forma que esta edición de los #SoloProjects va a terminar asumiendo. Ahora bien, lo que a mi me sorprendió mucho fue ver cómo había muchos puntos de coincidencia entre los nombres que habían sido presentados por los distintos miembros del equipo curatorial, ya que viniendo de contextos muy distintos, había definitivamente coincidencias. Esto me hace pensar que el proceso de selección final de los participantes va a ser relativamente consensuado.

MM: ¿Cual es en tu opinión el rol de curador en el contexto de feria?

Sharon Lerner: Esta es la primera vez que trabajo un proyecto curatorial en el marco de una feria, pero me imagino que el modo de afrontarlo es el mismo que en cualquier otro proyecto de este tipo, es decir buscando conexiones y contrastes interesantes en las propuestas, apoyando a los artistas para que aprovechen el espacio que les va a ser asignado del modo más productivo e interesante, empujando hacia los límites el formato que les es dado en el marco de un evento como este. Tengo mucha expectativa de ver cómo se va a desarrollar el trabajo y de comenzar las conversaciones con los otros curadores. Sin embargo, naturalmente al final todo dependerá de la calidad de los proyectos que nos sean presentados.

Manuela Moscoso: Como comentábamos en esta entrevista, es evidente que se están dando nuevas relaciones entre toda la región de América Latina, sin embargo históricamente existe una mayor distancia entre los hispano y portugués hablantes. ¿De qué forma crees que esta distancia se ve acortada en la escena artística actual?

Marcio Harum: Sin duda somos testigos de una formación de nuevos mapas geopolíticos del sistema-arte, y de la mano vemos una progresión de redes laborales de colaboración institucional. Esto a su vez está creando un efecto social entre los agentes de los países hispano y portugués hablante sin referente. Por ejemplo, vemos un establecimiento de ferias enfocadas en la región, ARCOmadrid (Madrid), Zona Maco (Ciudad de México), artBO (Bogotá), arteBA (Buenos Aires), SP-Arte (São Paulo), ArtRio (Rio de Janeiro), Chaco (Santiago de Chile). También vemos como una fuerte re-configuración en el circuito de las bienales con curadurías que proponen estructuralmente un intercambio en sus proyectos de investigación artística sin fronteras idiomáticas, como por ejemplo: la 9ª Bienal del Mercosul en Porto Alegre (Brasil, 2013), la X Bienal de Arquitectura (São Paulo, 2013), el 43 Salón (inter) Nacional de Artistas en Medellín (Colombia, 2013) o la XII Bienal de Cuenca (Ecuador, 2014). Por supuesto, no podemos olvidar que estas nuevas dinámicas están dadas también por un presente global, el cual está creado en nuestra región la posibilidad de sentirnos y estar físicamente más cerca que nunca.

MM: La institución en la que trabajas como curador, el CCSP (Centro Cultural São Paulo) es un lugar emblemático por la forma que el visitante se apropia y utiliza el espacio, así como, por una programación que apoya la circulación de la producción en el Brasil, ¿Vamos a ver estrategias similares en los #SoloProjects de ARCOmadrid?

Marcio Harum: Mi contribución estará totalmente basada en mi experiencia en el CCSP ya que una de las tónicas más excitantes en el arte es crear, problematizar y expandir contextos. Por ejemplo, me complace tener la posibilidad de repensar más allá de un mapeo de influencia latinoamericana, para así poder investigar y percibir la presencia artística iberoamericana importante en Brasil. Bajo esta perspectiva histórica tenemos dos nombres que no podemos olvidar: el artista media art Julio Plaza (Madrid, 1938 - São Paulo, 2003) y el artista conceptual Francisco Iñarra (Vitoria, Álava,1947 – Diadema, Brasil, 2009). Más recientemente y tal vez más fácil de reconocer, tenemos el trabajo de Sara Ramo (Madrid, 1975- vive entre Belo Horizonte, Brasil y España) y de Daniel Steegmann Mangrané (Barcelona, 1977 – vive en Rio de Janeiro). A pesar que esta reflexión no tenga necesariamente un resultado visible en ARCOmadrid 2014, tiene uno directamente en mi trabajo curatorial porque deviene en un resultado cargado de otra velocidad y dimensión profesional.